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La mujer, desnuda, dibuja una mariposa en una pared, desnuda. En la mitología clásica las mariposas representan la psique o el alma, en especial con su sepultura en el cuerpo. La modelo era una prostituta del distrito de Storyville de Nueva Orleans, una de las muchas fotografiadas por Ernest James Bellocq. A su muerte se descubrieron, en la gaveta de su escritorio, 89 placas que contenían retratos de prostitutas de este particular lugar. En algunos casos les habían borrado el rostro.
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El artista se ha cubierto con una pasta blanca y luego ha marcado con un pincel lo que podría ser una línea de puntadas que va desde el cuero cabelludo hasta el cuello. Parece que su cabeza ha sido abierta y cerrada después. La obra fue una performance estrechamente aliada de la fotografía y pretendía mostrar un acto de ferocidad autoinfligido con la intención de cargarse los pecados del mundo sobre sus hombros. Günter Brus fue al principio un pintor informal o de acción, modalidad artística desde la que había una fácil transición hacia el arte performance que requería ser completado por un registro fotográfico.

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John Coplans tenía un cuerpo velludo y ese engrosamiento del cuerpo que parece desarrollarse con la edad. Vista cabeza abajo, esta fotografía nos recuerda a San Pedro, que fue crucificado de esta misma forma, y a los santos apóstoles martirizados que aparecen en las pinturas del artista barroco del siglo XVII Caravaggio. La obra de Coplans suscita recuerdos de este tipo de pintura y su aguda conciencia del cuerpo como un pesado estorbo. sus fotografías están hechas sobre fondos neutros y no son retratos, aun cuando muestren el cuerpo del artista. Esto significa que pueden referirse a cualquier cosa, a la experiencia personal, las estatuas clásicas. Pero sobre todo desvían la atención de lo social y de lo personal.

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El escenario es una sala de montaje de una fábrica de productos eléctricos en Karlsruhe, Alemania. Los carritos tienen cada uno su número y se utiliza para transportar toda clase de materiales etiquetados. Si tuviéramos suficiente interés, sería posible reconstruir los procesos a partir de los datos disponibles, como sucede en muchas imágenes de grandes dimensiones de procesos de fabricación realizadas por Andreas Gursky. Pero ¿nos interesaría involucrarnos de verdad con toda esa complejidad, aun cuando afecte a las vidas de otras personas? El tema de Gursky no es tanto el mundo que hay ahí en cuanto sistema autónomo en sí mismo como nuestra interpretación de ese mundo. No sugiere que la vida laboral sea deplorable y que debamos simpatizar con sus protagonistas, sino que estamos en condiciones de llegar a conclusión alguna, que carecemos de capacidad analítica, incluso cuando la evidencia sea tan directa con en esta fotografía.
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Los marineros han dejado sus marcas en la pared y algunos han añadido fechas. Heinz Hajek-Halke ha recubierto el conjunto con el contenido de sus sueños, y por si acaso, ha convertido esas ventanas en ojos blanco. No es fácil entender esta fotografía, una de las varias relacionadas con el tema del hogar de los marineros, que puede haber sido impresa a partir de tres o cuatro negativos: para la pared, las iniciales y los desnudos. Las inscripciones grabadas y escritas con tiza eran importantes en la iconografía de la fotografía como signos de fugacidad y vulnerabilidad. La titubeante incertidumbre de los cuerpos sugiere que esta imagen pretendía representar un sueño.
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Una cascada de agua a modo de velo parece dar una forma escultórica a la cabeza del niño, como si éste fuera una figura en una fuente. El niño está, por así decirlo, cobrando vida, saliendo de la fotografía en plenitud de facultades. Esta imagen fue encargada para un cartel del bicentenario de Estados Unidos, pero fue rechazada por considerar se que podía ser interpretada como una mascarilla mortuoria. George Krause, es un gran simbolista en la fotografía que repara en motivos que tienen el poder de insinuar significados que van mucho más allá de sí mismos.

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La iluminación lateral pone de manifiesto los poros de la piel de la modelo, por lo que no puede caber duda de su realidad más allá de esos ojos y esos labios pintados. Es de suponer que está soñando con lo que la vida tiene reservado, aún cuando esos naipes esparcidos, suponen que su futuro está en manos de la providencia. Hacia la década de 1930, Henri Florence, autor de la imagen, era la personificación del modernismo, tanto en su vida, como en sus fotografías.

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Los peatones y el caballo vistos desde arriba representan el tráfico en general. En la década de 1920 era un técnica europea fotografiar desde puentes y ventanas de pisos altos y mostrar la calle como un juego de mesa fácil de manejar en el los peatones actuaban como piezas. Cuando Berenice Abbott hizo esta fotografía, acaba de regresar a Nueva York, después de pasar la mayor parte de la época en París, donde trabajó un tiempo con Man Ray.

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Se ha resquebrado un objeto en el medio de la calle, nada más y nada menos que un espejo, y dos de los responsables recogen los fragmentos, mientras que otros tan sólo ven, como cuando los adultos observan un crimen cometido.

Esta es una de las 78 imágenes de la serie A way of Seeing, la decimocuarta, para ser más precisos. Un trabajó de fotografías callejeras, se publicó en 1981. Y su tema principal es la sociedad en formación, pasando de la infancia a la adolescencia. 

Todas las simpatías de Helen Levitt, tienen como destinataria la exuberancia creativa de los niños, que experimentan el mundo por primera vez, sobre todo en las calles de East Harlem de Nueva York.






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Una imagen que a la izquierda, el hombre parece un ciudadano normal, vestido con unos jeans y unos guantes, acompañado de su Venus. Luego a la derecha, casi con la misma posición el mismo hombre toma una actitud casi de modelo masculino, acompañado esta vez por la novia del pueblo.

Esta imagen fue hecha por el fotógrafo Jan Saudek, en 1987, que muy a menudo utiliza parejas en sus fotos y secuencias.

Esas mismas secuencias donde sus personajes entran vestidos y terminan desnudos y en ocasiones en posiciones exóticas.

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Madonna en esta imagen parece una versión de Marilyn Monroe, además su vestimenta muy a estilo de James Dean. Esta costumbre de posar sobre fondos claros, fue implantada por Irving Penn y Richard Avedon, entre la década 1950 y 1960, y a menudo representaba la condición de víctima.

La persona fotografiada no tenía escapatoria y debía arreglárselas con otros recursos en el momento. Si el personaje principal hubiese sido Warhol, seguramente asumiría una actitud apasible, pero en el caso de Madonna, supo entender el sentido de la imagen y posar para ello.

Herb Ribbs, es el autor de esta y muchas otras imágenes, trabajó mucho con retratos de famosos entre 1980 y 1990, así como su relación laboral con la revista Rolling Stones, donde incluso apareció esta foto por primera vez. 

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Un marinero besa a una enfermera en el medio de una gran avenida, el Times Square de Nueva York, celebrando la culminación de la Segunda Guerra Mundial. Esta fotografía hecha por Alfred Eisenstaedt, apareció en la revista Life, y llegó a significar el alivio y al mismo tiempo la alegría que se sintió al finalizar esta guerra. 

Es importante saber, que esta imagen no fue espontánea, sino escenificada, pero eso no importó mucho al termino de su significado, además que su autor provenía de una tradición del reportaje alemán, es decir que pensaba en situaciones escenificadas.

Eisenstaedt, fue miembro fundador de la agencia Pix, y se convirtió en un destacado fotógrafo de Time-Life, es muy recordado por su sentido de iniciativa, incluso en una profesión donde ese sentido se daba por entendido.

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¿Qué vemos en esta imagen?, quizás un trapo viejo y arrugado.

En realidad es la bandera de Japón, en fotografía normalmente vemos las banderas ondeando con enormes cielos azules o intensos grises, símbolos de orgullo para países, ciudades y hasta empresas. Pero esta bandera en cambio ya no representa el sol naciente de Japón.

La bandera apareció por primera vez en el libro de Kikuji Kawada, el fotógrafo autor de esta imagen, y se titula El mapa (1965).

Lo que Kawada sugiere en El mapa, es una forma de mostrar el rostro de una sociedad japonesa devastada por la guerra y las explosiones atómicas que sufrió en algunas de sus ciudades en 1945.

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Un rostro oculto tras una cámara. Dennis Stock, es ese rostro, un destacado fotoperiodista de Magnum Photos, y Andreas Feininger es el autor de esta imagen realizada en el año 1955, Stock acababa de ganar el concurso de jóvenes fotógrafos en la revista "Life". 

Para esa época, el fotoperiodismo crecía en prestigio y Feininger, no perdió tiempo en fotografiar a este joven, una representación melodramática como insecto mecanizado, con una estética propia de 1920, época durante la cual el periodismo fotográfico surgió como profesión en algunos países europeos, sobre todo en Alemania.

El propio Feininger, fue uno de los tantos miembros de aquella generación, después de estudiar arquitectura en la Bauhaus de Weimar, estuvo algún tiempo ejerciendo como arquitecto, pero posteriormente, en 1939, al viajar a Nueva York, comenzó a dedicarse exclusivamente a esta maravillosa rama del arte, llegando a trabajar entre 1941 y 1942 en la revista Life, allí destacó por sus fotografías urbanas y arquitectónicas. 

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Un grupo de seminaristas bailan en el patio de un seminario de Senigallia, en la costa adriática de Italia. El autor de esta imagen es, Mario Giacomelli, que hizo esta fotografía sin previo aviso desde un tejado, pasó un año en el seminario, donde produjo algunas de sus imágenes más famosas. Giacomelli, es muy conocido por este tipo de impresión contrastada, que hace del suelo una figura y del conjunto un símbolo.  Fotografía Mario Giacomelli. Año: 1925

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La figura sujeta por cuerdas vivía en San Francisco, en Estados Unidos. Esta persona, cuando era niño comenzó a hacerse orificios en los músculos pectorales y finalmente pudo insertar en esos agujeros unos ganchos para colgarse. La idea procedía de un ritual celebrado por la tribu Mandan, fue documentado por el pintor estadounidense George Catlin, en 1832. Witkin, que hizo esta fotografía en 1981, entendía el ritual como parte de un intento de "acercarse a los orígenes de la vida". En los textos escritos sobre sus fotografías, Witkin se presenta como alguien que busca una interpretación de las experiencias físicas.  Fotografía Joel Peter Witkin. Año: 1981